Лекція Віденська класична школа ХVІІІ-ХІХ століття - файл n1.doc

приобрести
Лекція Віденська класична школа ХVІІІ-ХІХ століття
скачать (140.5 kb.)
Доступные файлы (1):
n1.doc141kb.01.06.2012 08:29скачать

n1.doc

Віденська класична школа XVIII - початку XIX століття.


  1. Віденська класична школа як художній напрям
    в музичній культурі XVIII - початку XIX століття.


  2. Особливості стилю віденської класичної школи. Музичні жанри.

  3. Й. Гайдн - основоположник віденської класичної школи.

  4. Музичний геній – В.А. Моцарт.

  5. Творчий шлях Л. ван Бетховена.

1. Протягом XVIII століття в багатьох країнах (Італія, Німеччина, Австрія, Франція та ін) відбувалися процеси формування нових жанрів і форм інструментальної музики, остаточно сформованих і досягли своєї вершини в так званій «віденській класичній школі».

Віденська класична школа, органічно ввібрала в себе передові досягнення національних музичних культур. Представниками даного художнього напряму були Й. Гайдн, В.А. Моцарт, Л. ван Бетховен. Кожен з них був яскравою індивідуальністю. Так, стиль Гайдна відрізняється світлим світосприйняттям, провідною ролллю жанрово-побутових елементів. Для стилю Моцарта більш характерним лірико-драматичний стиль. Стиль Бетховена – втілення героїчного пафосу боротьби. Однак поряд з відмінностями, котрі зумовили неповторність індивідуальності кожного з цих композиторів, їх об'єднують реалізм, життєствердження і демократичність.

Мистецтво віденських класиків внесло в світову музичну культуру потужну реалістичну і демократичну струмінь, засновану на багатствах народної творчості, і тому воно зберегло для нас всю свою цінність і художнє значення.

2. Художній стиль класицизм (від лат. Classicus - «зразковий») виник у XVII столітті у Франції. Грунтуючись на уявленнях про закономірності, майстри цього стилю прагнули до ясних і строгих форм, гармонійних зразків, втілення високих моральних ідеалів. Вищими, неперевершеними зразками художньої творчості вони вважали твори античного мистецтва, тому розробляли античні сюжети і образи. Класицизм протистояв стилю бароко з його пристрастю, мінливістю, суперечністю, стверджуючи свої принципи в різних видах мистецтва, у тому числі і в музиці.

Вершиною у розвитку музичного класицизму стала творчість Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта та Людвіга ван Бетховена, які працювали переважно у Відні і утворили напрямок у музичній культурі другої половини XVIII - початку XIX століття – віденську класичну школу.

Діяльність композиторів віденської класичної школи була підготовлена ​​художнім досвідом їхніх попередників і сучасників, включаючи італійську і французьку оперу і інструментальну культуру, досягнення німецької музики. Величезну роль у становленні віденської класичної школи зіграли музичний побут Відня – найбільшого музичного центру, музичний фольклор багатонаціональної Австрії. Мистецтво віденських класиків тісно пов'язане із загальним підйомом австро-німецької культури, з просвітою, що відбив гуманістичні ідеали третього стану напередодні Великої французької революції. Творчі ідеї віденських класиків тісно стикаються з поглядами Г.Е.Лессінга, І.Г. Гердера, І.В. Гете, Ф. Шіллера, І. Канта, Г. Гегеля, з деякими положеннями французьких енциклопедистів.

Для мистецтва представників віденської класичної школи характерні універсальність художнього мислення, логічність, ясність художньої форми. У їх творах органічно поєднуються почуття й інтелект, трагічний і комічне, точний розрахунок і природність, невимушеність висловлення.
У творчості віденських класиків виражене динамічне розуміння життєвих процесів, що знайшло найбільш повне втілення в сонатній формі і зумовила симфонізм багатьох їх творів. З симфонізмом, в широкому сенсі, пов'язані розквіт провідних інструментальних жанрів епохи – симфонії, сонати, концерту й камерного ансамблю, остаточне формування 4-х-частинної сонатно-симфонічного циклу.

Музика композиторів віденської класичної школи – новий етап в розвитку музичного мислення; для їх музичної мови характерні сувора впорядкованість, централізованість в поєднанні з внутрішнім різноманітністю, багатством. У їхній творчості формуються класичні типи музичних структур – період.

Розквіт віденської класичної школи збігся із загальним процесом становлення симфонічного оркестру – його стабільного складу, функціональної визначеності оркестрових груп. Склалися головні класичні типи камерних ансамблів - фортепіанне тріо, струнний квартет і ін З музики для сольних інструментів особливо виділилася фортепіанна. Оперна творчість Моцарта відкрило широкі перспективи розвитку різних типів опери - ліричної і соціально-викривальної комедії, музичної драми, філософської опери-казки та ін.

Кожен з майстрів віденської класичної школи мав неповторну індивідуальність. Гайдну і Бетховену найбільш близькою виявилася сфера інструментальної музики, Моцарт рівною мірою проявив себе і в оперному, і в інструментальних жанрах. Гайдн більше тяжів до об'єктивних народно-жанрових образів, гумору, жарту, Бетховен – до героїки, Моцарт, будучи універсальним художником - до різноманітних відтінків ліричного переживання.

Творчість композиторів віденської класичної школи, що належить до вершин світової художньої культури, справила величезний вплив на подальший розвиток музики.

Як вже зазначалося вище, у творчості композиторів віденської школи багато музичних жанрів отримали свій класичний вигляд.

Симфонія
Найбільш складна форма інструментальної музики - симфонія (грец. «співзвуччя»). Вона розрахована на виконання симфонічним оркестром. Можливості цього жанру великі: він дозволяє висловити музичними засобами філософські і моральні ідеї, розповісти про почуття і переживання. Сформувався жанр в середині XVIII століття, у творчості представників віденської класичної школи. Композитори розробили сонатно-симфонічний цикл із чотирьох частин, які різняться характером музики, темпом і прийомами розвитку теми. Перша частина, побудована в сонатної форми і зазвичай виконується в швидкому темпі, наповнена драматичним змістом. Іноді їй передує повільне вступ. Друга частина повільна, споглядальна; це ліричний центр композиції. Третя - контрастна по відношенню до другої: рухлива, жива музика носить або танцювальний, або жартівливий характер. До початку XIX ст. композитори використовували форму менуету (фр. menuet, від menu - «маленький, дрібний»), поширеного салонного танцю XVIII століття. Пізніше менует був замінений скерцо (від італ. Scherzo - «жарт») – так називалися невеликі вокальні або інструментальні твори, швидкі по темпу і жартівливі за змістом. Четверта, зазвичай швидка, частина – фінал симфонії; тут підводяться підсумки розвитку тем і образів твору.

Сонатная форма

Одна із складних і багатих за змістом музичних форм, сонатна, почала складатися в першій половині XVIII ст. і остаточного вигляду набула у другій половині століття у творах композиторів віденської класичної школи. Сонатная форма – це принцип викладу музичного матеріалу. Він передбачає не механічне чергування частин і розділів, а взаємодія тем і художніх образів. Теми – головна і побічна – або протиставляються один одному, або доповнюють одна одну. Розвиток тем проходить три етапи – експозицію, розробку і репризу. Теми виникають в експозиції (від лат. Expositio - «виклад, показ»). Головна звучить в основній тональності, яка і визначає найменування тональності всього твору (наприклад Симфонія до мажор). Побічна звичайно викладається в іншій тональності – між темами виникає контраст. У розробці відбувається подальший розвиток тем. Вони можуть вступати в гостре взаємне протиріччя. Іноді одна пригнічує іншу або, навпаки, йде в тінь, залишаючи «суперниці» повну свободу дій. Обидві теми можуть постати в іншому освітленні, наприклад, будуть виконані іншим складом інструментів, або різко змінять характер. У репризі (фр. reprise, від redivndre - «відновлювати, повторювати») теми на перший погляд повертаються в початковий стан. Однак побічна звучить вже в основній тональності, таким чином приходячи до єдності з головною. Реприза – підсумок складного шляху, до якого теми приходять збагачені досвідом експозиції та розробки. Підсумки розвитку іноді закріплюють у додатковому розділі – коді (від італ. Coda - «хвіст»), проте вона не обов'язкова. Використовують сонатную форму зазвичай в першій частині сонати і симфонії, а також (з невеликими змінами) у другій частині і у фіналі.
Соната
Один з основних жанрів інструментальної музики – соната (італ. sonata, від sonare - «звучатиме»). Це багаточастинний (звичайно з трьох або чотирьох частин) твір; у композиторів другої половини XIX – початку XX ст. є і одночастинні твори. У творчості майстрів віденської класичної школи соната, так само як і симфонія, досягла розквіту. На відміну від симфонії соната призначена або для одного інструменту (як правило, фортепіано), або для двох (один з яких фортепіано). Перша частина творів такого жанру пишеться в сонатної формі. Тут позначаються основні музичні теми твору. Друга частина, зазвичай спокійна, повільна, становить різкий контраст з першою. Третя – фінал, виконуваний у швидкому темпі. Він підводить підсумки і остаточно визначає загальний характер твору.

3. Й. Гайдн – основоположник віденської класичної школи
Про музику Йозефа Гайдна – одного з засновників віденської класичної школи – його друг і молодший сучасник Вольфганг Амадей Моцарт писав: «Ніхто не в змозі робити все: і балагурити, і приголомшувати, викликати сміх і глибоко чіпати, і всі однаково добре, як це вміє Гайдн ». З творчістю Гайдна пов'язаний розквіт таких жанрів, як симфонія (їх у нього сто чотири, не рахуючи загублених), струнний квартет (вісімдесят три), клавірна соната (п'ятдесят дві). Велику увагу приділяв композитор концертам для різних інструментів, камерним ансамблям і духовній музиці.

Народився Франц Йозеф Гайдн у селі Рорау (Австрія) в сім'ї каретного майстра. З восьми років він почав співати в капелі Святого Стефана у Відні. Майбутньому композиторові доводилося заробляти на життя переписуванням нот, грою на органі, клавірі і скрипці. У сімнадцять років Гайдн втратив голос і був виключений з капели. Тільки через чотири роки він знайшов постійну роботу – влаштувався акомпаніатором до відомому італійському оперному композиторові Миколі Порпорі (1686-1768). Той оцінив музичне обдарування Гайдна і став викладати йому композицію.
У 1761г. Гайдн поступив на службу до багатих угорським князям Естерхазі і провів при їхньому дворі як композитор і керівника капели майже тридцять років. У 1790р. капела була розпущена, але за Гайдном зберегли оклад і посаду капельмейстера. Це дало майстру можливість оселитися у Відні, подорожувати, виступати з концертами. У 90-х рр. Гайдн подовгу жив і плідно працював у Лондоні. Він отримав європейську популярність, його творчість гідно оцінили сучасники – композитор став володарем багатьох почесних ступенів і звань. Йозефа Гайдна часто називають «батьком» симфонії. Саме в його творчості симфонія стала провідним жанром інструментальної музики.

Гайдн володів тонким почуттям гумору, і ця особливість особистості відбилася в музиці. У багатьох симфоніях ритміка третій частині (менуету) нарочито важка, немов автор намагається зобразити незграбні спроби простолюдина повторити елегантні руху галантного танцю. Дотепна симфонія № 94 (1791г.). У середині другої частини, коли музика звучить спокійно і тихо, несподівано лунають удари литавр – щоб слухачі «не нудьгували». Не випадково твір назвали «З боєм литавр, або Сюрприз». Гайдн нерідко використовував прийом звуконаслідування (співають птахи, бродить по лісі ведмідь тощо). У симфоніях композитор часто звертався до народних тем, в основному до слов'янських – словацьких та хорватських.

Представникам віденської класичної школи, і перш за все Гайдну, належить заслуга формування основного складу симфонічного оркестру. Раніше композитори задовольнялися лише тими інструментами, які в даний момент були доступні. Поява стійкого складу оркестру – яскрава ознака класицизму.

Крім інструментальної музики Гайдн приділяв увагу опері і духовним творам (створив ряд мес під впливом Генделя), звертався до жанру ораторії («Створення світу», 1798г.; «Пори року», 1801г.).

4. Творчість Моцарта займає особливе місце у віденській класичній школі. У його творах класицистична строгість і ясність форм поєдналися з глибокою емоційністю. Музика композитора близька до тих напрямів в культурі другої половини XVIII ст., які були звернені до почуттів людини («Буря і натиск»). Саме Моцарт вперше показав суперечливість внутрішнього світу особистості.

Вольфганг Амадей Моцарт народився в Зальцбурзі (Австрія). Володіючи феноменальним музичним слухом і пам'яттю, він уже в ранньому дитинстві навчився грати на клавесині, а в п'ять років написав перші твори. Першим педагогом майбутнього композитора став його батько Леопольд Моцарт - музикант капели архієпископа Зальцбурзького. Моцарт віртуозно володів не тільки клавесином, але також органом і скрипкою; славився як блискучий імпровізатор. З шести років він гастролював по країнах Європи. В 11 років створив першу оперу «Аполлон і Гіацинт", а в 14 вже диригував у театрі Мілана на прем'єрі власної опери «Мітрідат, цар Понтійський». Приблизно в цей же час його обрали членом філармонічної академії в Болонії.

Як і багато музикантів тієї епохи, Моцарт перебував на придворній службі (1769-1781р.) – був концертмейстером і органістом в архієпископа міста Зальцбурга. Проте незалежний характер майстра викликав різке незадоволення архієпископа, і Моцарт вважав за краще залишити службу. Серед видатних композиторів минулого він став першим, хто обрав життя вільного художника. У 1781р. Моцарт переїхав до Відня, у нього з'явилася сім'я. Заробляв він рідкісними виданнями власних творів, уроками гри на фортепіано та виступами (останні послужили стимулом для створення концертів для фортепіано з оркестром).

Особливу увагу Моцарт приділяв опері. Його твори – ціла епоха в розвитку цього виду музичного мистецтва. Опера приваблювала композитора можливістю показати взаємини людей, їхні почуття і прагнення.
Моцарт не прагнув до створення нової оперної форми – новаторською була сама його музика. У зрілих творах композитор відмовився від суворого розмежування опери на серйозну і комічну - з'явився музично-драматичний спектакль, в якому ці елементи переплетені. Як наслідок в операх Моцарта немає однозначно позитивних і негативних героїв, характери живі і багатогранні, не пов'язані рамками амплуа.

Моцарт часто звертався до літературних джерел. Так опера «Весілля Фігаро» (1786г.) написана за п'єсою французького драматурга П.О. Бомарше «Божевільний день, або Одруження Фігаро», яка була заборонена цензурою. Головна тема опери - любов, що, втім, можна сказати про всі твори Моцарта. Проте є в творі і соціальний підтекст: Фігаро і його кохана Сюзанна розумні й енергійні, але вони незнатного походження, а всього лише слуги в будинку графа Альмавіви. Їх протидія пану (дурнуватому і обдуреному аристократу) викликає співчуття автора – абсолютно очевидно, що він на боці закоханих.

В опері «Дон Жуан» (1787г.) отримав музичне втілення середньовічний сюжет про підкорювачя жіночих сердець. Енергійному, темпераментному, свавільного і вільного від усіх моральних норм герою протистоїть в особі Командора вища сила, що уособлює розумний порядок. Філософське узагальнення сусідами тут з любовними інтригами та жанрово-побутовими елементами. Трагічне і комічне утворюють нерозривну єдність. Цю особливість опери підкреслив і сам автор, давши своєму твору підзаголовок «Весела драма». Здавалося б у фіналі справедливість торжествує – порок (Дон Жуан) покараний. Але музика опери тонше й складніше такого спрощеного розуміння твору: вона викликає у слухача співчуття до героя, що залишився вірним собі навіть перед лицем смерті.

Філософська казка-притча «Чарівна флейта» (1791г.) написана в жанрі зінгшпиля. Основна ідея твору – неминучість перемоги добра над злом, заклик до стійкості духу, до любові, до розумію її вищого сенсу. Герої опери піддаються серйозним випробуванням (мовчанням, вогнем, водою), але гідно долають їх і досягають царства краси і гармонії.

Моцарт головною вважав музику, хоча ставився до тексту лібрето дуже вимогливо. У його операх значно зросла роль оркестру. Саме в оркестровій партії нерідко виявляється авторське ставлення до дійових осіб: то промайне глузливий мотив, то з'явиться прекрасна поетична мелодія. Уважному слухачеві ці деталі говорять більше, ніж текст. Основними портретними характеристиками залишилися арії, а про взаємини героїв розповідається у вокальних ансамблях. Композитор зумів передати в ансамблях особливості характеру кожного персонажа.

Будучи представником віденської класичної школи Моцарт велике значення надавав жанру симфонії. Особливо популярні три останні симфонії - Тридцять дев'ята, Сорокова і Сорок перша («Юпітер»), створені в 1788р. У творах цього жанру остаточно закріпилися чотиричастний цикл і правила сонатної форми. Симфонії Моцарта включають безліч тонких емоційних нюансів. Теми часто нерівні за характером, складні за ритмом, деколи йдуть у супроводі різких гармоній, але музика зберігає відточені, чіткі форми.

Моцарт став і одним із творців жанру класичного концерту. В основі концерту змагання соліста й оркестру, і цей процес завжди підпорядкований суворій логіці. Композиторові належить двадцять сім концертів для фортепіано з оркестром, сім для скрипки з оркестром. В одних творах слухача вражає віртуозну майстерність, святковість, в інших драматизм і емоційні контрасти.

Фортепіанне творчість Моцарта включає дев'ятнадцять сонат, в яких він продовжував розробляти сонатную форму, а також твори в жанрі фантазії (музичний твір, заснований на імпровізації і вільний за формою). Композитор відмовився від клавесина і клавікорда, що володіють у порівнянні з фортепіано більш м'яким, але слабким звуком. Фортепіанна манера Моцарта – виразна, елегантна, з ретельною обробкою мелодії та акомпанементу.
Інтереси майстри не обмежувалися оперою та інструментальною музикою. Їм створені і духовні твори: меси, кантати, ораторії, реквієм. Музика реквієму (1791г.), призначеного для солістів, хору і оркестру, глибоко трагічна (Моцарт працював над твором, коли вже був хворий, фактично перед самою смертю). Частини твору, що нагадують оперні арії та ансамблі, роблять музику дуже емоційною, а поліфонічні (насамперед «Господи, помилуй!") Уособлюють духовний початок, вищу справедливість. Головний образ реквієму - страждає людина перед обличчям суворого Божественного правосуддя.
Майстер так і не встиг дописати реквієм, він був доопрацьований його учнем Ф.К. Зюсмайром.

Музику Моцарт складав дуже легко, іноді навіть без чернеток, створюючи творіння, неперевершені з художньої краси і гармонійності. Музиканти-сучасники високо цінували дарування Моцарта, але більшість аристократичної публіки його творчість не розуміло, а в останні роки життя композитора не приймали зовсім. Помер Моцарт у бідності і був похований у Відні в загальній могилі.

5. «Музика має висікати вогонь з грудей людських» - це слова німецького композитора Людвіга ван Бетховена, твори якого належать до вищих досягнень музичної культури.

Світогляд Бетховена складалося під впливом ідей Просвітництва і волелюбних ідеалів Французької революції. У музичному відношенні його творчість, з одного боку, продовжувало традиції віденського класицизму, з іншого – відобразив риси нового романтичного мистецтва. Від класицизму в творах Бетховена височина змісту, прекрасне володіння музичними формами, звернення до жанрів симфонії і сонати. Від романтизму сміливе експериментаторство в області цих жанрів, інтерес до вокальної та фортепіанної мініатюрі.

Людвіг ван Бетховен народився в Бонні (Німеччина) в сім'ї придворного музиканта. Займатися музикою він почав з раннього дитинства під керівництвом батька. Однак справжнім наставником Бетховена став композитор, диригент і органіст К.Г. Нефе. Він викладав юному музиканту основи композиції, навчав грі на клавірі й органі. З одинадцяти років Бетховен служив помічником органіста у церкві, потім придворним органістом, концертмейстером в оперному театрі Бонна. У вісімнадцять років він вступив до Боннського університету на філософський факультет, проте не закінчив його і згодом багато займався самоосвітою.

У 1792г. Бетховен переїхав у Відень. Він брав уроки музики у Й. Гайдна, І.Г. Альбрехтсбергера, А. Сальєрі (найбільших музикантів тієї епохи). Альбрехтсбергер познайомив Бетховена з творчістю Генделя і Баха. Звідси блискуче знання композитором музичних форм, гармонії і поліфонії.
Незабаром Бетховен почав давати концерти; став популярним. Його впізнавали на вулицях, запрошували на урочисті прийоми в будинки високопоставлених осіб. Він багато писав: писав сонати, концерти для фортепіано з оркестром, симфонії.

Довгий час ніхто не здогадувався, що Бетховена вразив серйозна недуга – він почав втрачати слух. Переконавшись у невиліковність хвороби, композитор вирішив піти з життя і в 1802р. приготував заповіт, де пояснював мотиви свого рішення. Однак Бетховен зумів подолати відчай і знайшов у собі сили писати музику далі. Виходом з кризи стала Третя («Героїчна») симфонія.

У 1803-1808гг. композитор також працював над створенням сонат; зокрема Дев'ятої для скрипки і фортепіано (1803г.; присвячена паризькому скрипалеві Рудольфу Крейцеру, тому одержала назву «Крейцерова»), Двадцять третьої («апасіонат») для фортепіано, П'ятої та Шостий симфоніями (обидві 1808р. ).

Шоста («Пасторальна») симфонія має підзаголовок «Спогад про сільське життя». Це твір малює різні стани людської душі, відсторонено на час від внутрішніх переживань та боротьби. Симфонія передає почуття, що виникають від зіткнення зі світом природи і сільського життя. Незвична її структура - п'ять частин замість чотирьох. В симфонії є елементи образотворчості, звуконаслідування (співають птахи, гримить грім і т.д.). Знахідки Бетховена згодом використовувалися багатьма композиторами-романтиками.

Вершиною симфонічного творчості Бетховена стала Дев'ята симфонія. Задумана вона була ще в 1812г., Але працював над нею композитор з 1822 по 1823г. Симфонія грандіозна за масштабами; особливо незвичайний фінал, що представляє собою щось на зразок великої кантати для хору, солістів та оркестру, написаної на текст оди "До радості» І.Ф Шіллера.
У першій частині музика сувора і драматична: з хаосу звуків народжується чітка і дуже масштабна тема. Друга частина - скерцо за характером перегукується з першою. Третя частина, що виконується в повільному темпі, - це спокійний погляд просвітленої душі. Двічі на неквапливе протягом музики вриваються звуки фанфар. Вони нагадують про грозах і битвах, але змінити загальний філософський образ не в силах. Ця музика - вершина лірики Бетховена. Четверта частина - фінал. Теми попередніх частин пропливають перед слухачем немов йде минуле. І ось з'являється тема радості. Дивний внутрішній лад теми: тремтливість і сувора стриманість, величезна внутрішня сила, що вивільняється в грандіозному гімні добра, істини і краси.

Прем'єра симфонії відбулася в 1825р. у Віденському оперному театрі. Для здійснення авторського задуму театрального оркестру виявилося недостатньо, довелося запросити любителів: двадцять чотири скрипки, десять альтів, дванадцять віолончелей і контрабасів. Для віденського класичного оркестру такий склад був надзвичайно потужним. Крім того, кожна хорова партія (баси, тенори, альти і сопрано) включала двадцять чотири співака, що також перевершувало звичні норми.
За життя Бетховена Дев'ята симфонія для багатьох залишилася незрозумілою, і нею захоплювалися лише ті, хто близько знав композитора, його учні та освічені в музиці слухачі. З часом симфонію стали включати до свого репертуару кращі оркестри світу, і вона знайшла нове життя.
Для творів пізнього періоду творчості композитора характерні стриманість почуттів і філософська заглибленість, що відрізняє їх від пристрасних і драматичних ранніх творів. За своє життя Бетховен написав 9 симфоній, 32 сонати, 16 струнних квартетів, оперу «Фіделіо», «Урочисту месу», 5 концертів для фортепіано і один для скрипки з оркестром, увертюри, окремі п'єси для різних інструментів.

Дивно, але багато творів (у тому числі Дев'яту симфонію) композитор написав, будучи вже зовсім глухим. Однак і його останні твори – сонати для фортепіано і квартети – неперевершені шедеври камерної музики.
Висновок
Отже, художній стиль класицизм виник у XVII столітті у Франції, грунтуючись на уявленнях про закономірності, розумності світового устрою. Майстри цього стилю прагнули до ясним і строгим формам, гармонійним зразкам, втілення високих моральних ідеалів. Вищими, неперевершеними зразками художньої творчості вони вважали твори античного мистецтва, тому розробляли античні сюжети і образи.

Вершиною у розвитку музичного класицизму стала творчість Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта та Людвіга ван Бетховена, працювали переважно у Відні і утворили напрямок у музичній культурі другої половини XVIII - початку XIX століття - віденську класичну школу. Відзначимо, що класицизм у музиці багато в чому не схожий на класицизм у літературі, театрі та живопису. У музиці неможливо спиратися на античні традиції, так як вони майже невідомі. Крім того, зміст музичних творів часто пов'язано зі світом почуттів людини, які не піддаються жорсткому контролю розуму. Проте композитори віденської класичної школи створили дуже струнку й логічну систему правил побудови твору. Завдяки такій системі самі складні почуття наділялися в ясну і досконалу форму. Страждання і радості ставали для композитора предметом роздумів, а не переживання. І якщо в інших видах мистецтва закони класицизму вже на початку XIX ст. багатьом здавалися застарілими, то в музиці система жанрів, форм і правил гармонії, розроблена віденської школою, зберігає своє значення до цих пір.
Ще раз відзначимо, що мистецтво віденських класиків представляє для нас величезну цінність та художню значимість.

Віденська класична школа XVIII - початку XIX століття
Учебный материал
© nashaucheba.ru
При копировании укажите ссылку.
обратиться к администрации