Ответы по истории изобразительного искусства - файл n1.doc

приобрести
Ответы по истории изобразительного искусства
скачать (410 kb.)
Доступные файлы (1):
n1.doc410kb.01.06.2012 13:14скачать

n1.doc

1   2   3   4   5

ВОПРОС №29Постимпрессионизм во Франции 2 половины 19 века

Во второй половине XIX в. в Западной Европе культурным центром становится Франция, происходит утверждение буржуазной демократии, проявляются первые черты формирующегося массового сознания.

Постимпрессионизм. Основные черты импрессионизма получили свое развитие в постимпрессионизме. Яркими представителями этого направления были художники Л. Сезанн, В. Ван Гог, П. Гоген. Они начали работать одновременно с импрессионистами и испытали в своем творчестве их влияние. Каждый из них, однако, представлял собой яркую индивидуальность и оставил глубокий след в искусстве.

Так, Поль Сезанн (1839-1906) в ранних работах обращался к приемам живописи старых мастеров («Оргия»), затем испытал воздействие Г. Курбе («Печка в мастерской»). С 70-х гг. складывается собственная живописная система Сезанна, достигшая зрелости в концу 80-х гг. Именно в это время Сезанн отходит от импрессионизма. Он тщательно занимался поиском не изменчивости цветов, а устойчивых структурных закономерностей, лишенных незначительного, гармонической уравновешенности природы, единства ее форм во всех жанрах (портрете, фигурной композиции, пейзаже, автопортрете, натюрморте). Он автор таких картин, как «Берега Мирны», «Персики и груши», «Пьеро и Арлекин». Сезанн оперировал преимущественно градациями трех основных цветов - зеленого, голубого и желтого. У него смелый лаконичный рисунок.

Творчество Сезанна нашло много подражателей и последователей и оказало большое влияние на живопись XX в.

Поль Гоген (1848-1903) - один из выдающихся представителей постимпрессионизма, близкий к символизму и стилю модерн. Он использовал синтетические обобщения цвета и линий. Основная тема картин Гогена - быт и легенды народов Океании (Таити), поэтический мир гармонии человека и природы. Его картины, декоративные, полные символики, характеризуются насыщенным чистым цветом. Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген намеренно пришел к примитивизации формы. У него предельно упрощенный рисунок, формы предметов нарочито плоскостны, краски чистые и яркие. Композиции носят орнаментальный характер. Гоген - автор таких картин, как «Брод», «А, ты ревнуешь ?». На Таити он написал один из своих шедевров «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?»

Вершина постимпрессионизма - творчество Винсента Ван Гога (1853- 1890). В его творчестве два периода: первая половина 80-х гг. и последние три года жизни, когда он был тяжело болен. Несмотря на непродолжительный период творческой жизни, художник создал произведения, оставившие неизгладимый след в мировой культуре. Творчество Ван Гога имеет пессимистический, тревожный, болезненный, экспрессивный характер. В его произведениях то восторг перед жизнью, миром, то чувство одиночества и щемящая тоска. Его картины «Хижины», «Спальня», изображающие простые дома или комнаты, полны драматизма. Впечатление напряженности усиливается особым приемом наложения краски резкими, иногда зигзагообразными или параллельными мазками, идущими при изображении, например, земли или хижины в одном направлении, а неба - в другом, противоположном. С необычайной обостренностью восприятия он пишет природу (цветы, деревья, траву), архитектуру, людей («Овер после дождя», «Церковь в Овере», «Портрет доктора Гоше»). Его пейзажи, написанные в Арле, пронизаны страстным жизнелюбием. В них - сочетание ярких цветов, выразительный ритм рисунков и смелые свободные композиционные решения («Ночное кафе», «Красные виноградники в Арле»).

При жизни Ван Гог не пользовался никакой известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось много позднее.

И в целом творчество постимпрессионистов выразило доминирующие мотивы и настроения своего времени, оказало большое влияние на развитие художественной культуры рубежа XIX-XX вв.
Билет № 30 Общие характеристики модернизма (Матис, Пикасо, Дали)

Модерн (фр. moderne — новейший, современный) — одно из названий стилевого направления в европейском и американском искусстве кон. ХІХ — поч. ХХ век. В Бельгии, Великобритании и США, он известен как «новое искусство» (Art Nouvean), в Германии — «Югенд-стиль» (Jugend Stil), в Австрии — «стиль Сицессиона» (Sezessiostil), в Италии — «стиль Либерти» (Stile Liberty), в Испании — модернизм (modernismo). Модерн возникает в условиях кризиса буржуазной культуры, как один из видов неоромантического протеста против антиэстетичности буржуазного образа жизни, как реакция на усилие позитивизма и прагматизма.

Стиль «модерн» объединяет много относительно самостоятельных направлений и течений: кубизм, футуризм, имажинизм, сюрреализм, абстракционизм, поп-арт. Основные эстетичные принципы модернизма в искусстве — отрицания изображаемого, абстракционизм и поп-арт. По мнению теоретиков модерн, в частности бельгийца Х. К. Ван где Велде, модерн было призвано стать стилем жизни нового, сформированного под его влиянием общества, создать вокруг человека целостную, эстетично преисполненную, пространственную и предметную среду.

Тенденции модерна – замена реальных персонажей фантастическими, воображаемыми существами. Художники модерна возродили и применили к делу многие забытые отрасли техники и худ. Труда, как, мозаику, расписное стекло, инкрустацию. Хотели облагородить быт, внеся в него красоту.

ФОВИЗМ: Анри Матис (1869-1954)

Матисса называли живописцем роскоши в мире, где царит нищета. Живописец отказался от смешания цветов, светотени и мелких деталей – ничто не должно было снижать звучность краски. Другим выразительным средством в его картинах стала точно отработанная линия. Кажущаяся лёгкость, детская простота изображения добывались упорным, напряженным трудом. Матисса называли живописцем роскоши в мире, где царит нищета.

«Роскошь, спокойствие и наслаждение» 1904
«Зеленая полоса (Мадам Матисс) 1905
«Радость жизни» (1905-1906)
«Танец» (1910)
«Музыка» (1910)
«Красные рыбки» (1911)
«Марокканка (Зора)» (1912)
«Натюрморт с раковиной» (1940)
Капелла (близ Ниццы) – работал над которой как архитектор, художник, витражист, мастер по металлу и керамист.

КУБИЗМ: Пабло Пикассо (1881-1973)

Еще при жизни был признан классиком. Еще в молодости выбрал собственную манеру изображения (период с 1901 по 1904 критики назовут «голубым периодом» по господствующему голубому цвету его картин, но главное средство выразительности – линия. Монохромность (одноцветность) картин лишь подчеркивает напряженную силу замкнутого контура).
Постепенно Пикассо изменил цвета палитры на ало-золотисто-розовые («розовый период») – общая грустная тональность картин смягчилась. Главные герои – бродячие артисты, циркачи. Их бедный и вольный мир сплочён прочнейшими узами душевного родства и трудов. В конце «роз.пер.» появились картины, навеянные античной классикой.
Мастер обращался к скульптуре (называл «комментарием к живописи»), много работал в графике.
«Девочка с голубем» (1901)
Девочка на шаре (1905)
«Авиньонские девицы» (1907) – с этой даты ведется отсчет истории кубизма.
«Девушка с веером» (1910)
Кларнет и скрипка (1912-1913)
Занавес к спектаклю «Парад» (1917)
«Герника» (1937)
СЮРРЕАЛИЗМ: Сальвадор Дали (1904-1989)

Универсальный мастер – живописец, график, скульптор, писатель, поэт, сценарист.
Каждая картина – своеобразный интеллектуальный ребус. Каждую деталь можно рассматривать самостоятельно, а все вместе они создают магически загадочную картину.
Совмещение реальности и бредовой фантазии как бы конструировалось, а не рождалось вдруг, по воле случая.

«Постоянство памяти» (1931)
«Частичная галлюцинация: шесть портретов Ленина на фортепьяно» (1931)
«Мягкая конструкция с вареными бобами: предчувствие гражданской войны в Испании» (1936)
«Пылающий жираф» (1936)
«Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944)
«Искушение Святого Антония» (1946)
«Атомная Леда» (1949) «Мадонна порта Льигат» (1949)
«Христос Святого Иоанна Креста» (1951) «Открытие Америки Христофором Колумбом» (1959)
Билет № 31 Мастацтва Старажытнай Русі (архітэктура, жывапіс).

Архитектура. русское искусство периода средневековья формировалось в борьбе двух укладов - патриархального и феодального, и двух религий- язычества и христианства До конца Х века на Руси не было монументального каменного зодчества, но существовали богатые традиции деревянного строительства, некоторые формы которого повлияли впоследствии на каменную архитектуру. После принятия христианства начинается возведение каменных храмов, принципы строительства которых были заимствованы из Византии .
     На Руси получил распространение крестово-купольный тип храма. Внутреннее пространство здания делилось четырьмя массивными столбами, образуя в плане крест. На этих столбах, соединенных попарно арками, возводился «барабан», завершавшийся полусферическим куполом. Концы пространственного креста перекрывались цилиндрическими сводами, а угловые части – купольными сводами. Восточная часть здания имела выступы для алтаря – апсиды. Внутреннее пространство храма делилось столбами на нефы (межрядные пространства). Столбов в храме могло быть и больше. В западной части располагался балкон – хоры, где во время богослужения находились князь с семьей и его приближение. На хоры вела винтовая лестница, находившаяся в специально для этого предназначенной башне. Иногда хоры соединялись переходом с княжеским дворцом.
     Первой каменной постройкой была Десятинная церковь, возведенная к Киеве в конце Х века греческими мастерами. Она была разрушена монголо-татарами в 1240 году . В 1031-36 годах в Чернигове греческими зодчими был воздвигнут Спасо-Преображенский собор – самый «византийский», по мнению специалистов, храм Древней Руси.

Живопись. С принятием христианства из Византии на Русь пришли новые виды монументальной живописи – мозаика и фреска, а также станковая живопись (иконопись). Византия не только познакомила русских художников с новой для них техникой живописи, но и дала им иконографический канон, неизменность которого строго оберегалась церковью. Это в известной степени сковывало художественное творчество и предопределило более длительное и устойчивое византийское влияние в живописи, нежели в архитектуре.
      Самые ранние из сохранившихся произведений древнерусской живописи были созданы в Киеве. Согласно летописям, первые храмы украшали приезжие мастера-греки, которые привнесли в сложившуюся иконографию систему расположения сюжетов в интерьере храма, а также манеру плоскостного письма. Суровой красотой и монументальностью отличаются мозаики и фрески Софийского собора. Они выполнены в строгой и торжественной манере, свойственной византийской монументальной живописи. Их создатели мастерски использовали разнообразие оттенков смальты, искусно объединили мозаику с фреской. Из мозаичных работ особенно значительны изображения Христа Вседержателя в центральном куполе. Все изображения пронизаны идеей величия, торжества и незыблемости православной церкви и земной власти.
     Уникальными памятниками светской живописи являются росписи стен двух башен киевской Софии. Здесь изображены сцены княжеской охоты, цирковых состязаний, музыканты, скоморохи, акробаты, фантастические звери и птицы. По своему характеру они далеки от обычных церковных росписей. Среди фресок Софии – два групповых портрета семьи Ярослава Мудрого.
Вопр№36 Организация и деятельность Товарищества передвижных художественных выставок.

Инициатором создания Товарищества, как известно, выступил в 1869 году Г.Г.Мясоедов. Своей идеей Мясоедову удалось увлечь Перова, который пользовался огромным авторитетом. Идея передвижных выставок зародилась в связи с опытом английских передвижных выставок. Возможно, что английские выставки послужили одним из побудительных толчков, так как многие будущие передвижники следили за художественной жизнью Англии. Цель была поставлена совершенно ясная: создать организацию, руководимую самими художниками — членами коллектива, объединенными общностью идейных и творческих устремлений.

Культура.

Идея Товарищества Передвижных Художественных Выставок обладала огромным преимуществом: ознакомление с искусством широких общественных кругов прямо декларировалось как центральная, основная форма выступлений. Художники-передвижники стали, своего рода, символом русской живописи 19 века. Возникшее как реакция на мертвое безжизненное искусство Академии Художеств, Товарищество Передвижников стало самым массовым и влиятельным художественным объединением в истории России. Товарищество Передвижных Художественных Выставок распалось в 1923 году, однако за время его существования значение живописи в жизни в русского общества достигло своей кульминации. "Основание Товарищества подвижной выставки имеет целью: доставление обитателям провинции возможности следить за успехами русского искусства и русской живописи".

В рядах передвижников зажглись и навечно засияли ярчайшие звезды русской живописи - Саврасов, Суриков, Репин, Левитан, Куинджи, Поленов, Нестеров, Серов. Культовые шедевры художников ТПХВ:
«Боярыня
Морозова» Василий Суриков;» Бурлаки на Волге» Илья Репин; «Тихая обитель» Исаак Левитан;» Грачи прилетели» Алексей Саврасов;
«Девочка с персиками» Валентин Серов;» Видение отроку Варфоломею» Мих. Нестеров.

37

Вершиной русской жанровой живописи второй половины XIX в. является творчество И. Е. Репина (1844—1930).Он с равным блеском работал в области портрета и исторической живописи. Репин родился в 1844 г. в Чугуеве в семье военного поселенца. В детстве ему пришлось испытать нужду, рано познать труд. Семнадцати лет он уже работал в иконописных артелях. Страстное желание стать художником привело. Репина в Петербург, а огромная одаренность раскрыла перед ним двери Академии художеств. Это было в январе 1864 г., Репину шел двадцатый год. В Академии И. Е. Репина научили «азбуке» искусства, но главным своим учителем он всегда считал Крамского. Именно в беседах с Крамским, в спорах и чтениях на «четвергах» Артели складывалось мировоззрение Репина. На протяжении долгих лет жизни Репин оставался верен демократическим идеалам своей юности, верен искусству критического реализма. Первым произведением, которое принесло Репину известность в художественных кругах, была картина, написанная перед окончанием Академии для конкурса на большую золотую медаль. Она называлась «Воскрешение дочери Иаира» (1871). Традиционный евангельский сюжет этот был предложен Репину профессорами. Религиозная и даже мистическая сторона сюжета—воскрешение Христом умершей девочки,—естественно, не могла увлечь такого трезвого реалиста, каким был Репин За «Воскрешение дочери Иаира» Репин получил большую золотую медаль, а с нею право поездки за границу от Академии сроком на шесть лет. Однако Репин решил отложить поездку. Все его мысли были сосредоточены на новом произведении, которое он задумал задолго до своей академической программы, Речь идет о «Бурлаках на Волге» (1870—1873). Впервые Репин увидел бурлаков на Неве погожим летним днем 1868 г. Тогда же, потрясенный этим зрелищем, он решил написать картину, показав измученных, в лохмотьях бурлаков и рядом нарядную толпу праздных дачников. Замысел вполне в духе обличительной живописи 60-х годов. Но вскоре Репин изменил его. Он отказался от прямолинейного противопоставления и все внимание сосредоточил на одних бурлаках. Для того чтобы собрать материал, художник дважды ездил на Волгу. В его альбомах появились сотни рисунков. Это были портреты бурлаков, их изображения в разных ракурсах, виды Волги и просто зарисовки местных жителей. Он написал в это время множество этюдов масляными красками, сделал несколько эскизов, подолгу вынашивал каждый образ будущей картины. После нескольких переделок к весне 1873 г. работа была окончена. Успех картины превзошел все ожидания. С нее, как говорил сам художник, пошла его слава по всей Руси великой. И действительно» «Бурлаки на Волге»—лучшая картина реалистической жанровой живописи 70-х годов, воплощение демократических гуманистических идей того времени. С огромной силой убедительности показал Репин одиннадцать бурлаков. Медленно, друг за другом, они словно бы проходят перед зрителем... разные люди, разные судьбы. Впереди—так было принято в бурлацких партиях—самые сильные. Первый, кто сразу привлекает к себе внимание,—бурлак с лицом мудреца и ясным кротким взглядом. Прообразом для него послужил Канин, поп- расстрига, человек трудной судьбы, сохранивший и в бурлацкой лямке душевную кротость и стойкость. Его сосед слева—могучий и добрый богатырь, справа (позировал матрос Илька) —озлобленный человек с тяжелым взглядом исподлобья, рядом с ними, еще полными сил, изможденное лицо обессилевшего человека, еле держащегося на ногах- В центре всей группы совсем еще юный бурлак, впервые идущий бечевой. Он не привык к лямке, все пытается ее поправить, но это ему мало помогает... И его жест, каким он (в который раз!) поправляет лямку, воспринимается почти символически, по словам Стасова. как «протест и оппозиция могучей молодости против безответной покорности возмужалых, сломленных привычкой и временем...» людей. При работе над этим образом Репин использовал этюды, для которых позировал мальчик по имени Ларька. После окончания «Бурлаков» в мае 1873 г. Репин воспользовался своим правом на заграничную поездку. Через Вену он отправился в Италию, а оттуда осенью в Париж. Поездка имела для Репина большое значение. Он увидел многие прославленные произведения великих мастеров прошлого, узнал и современное европейское искусство. Репин вернулся в Россию в начале 1876 г. и тогда же летом создал одну из самых поэтических своих работ, прелестную маленькую картину «На дерновой скамье»—групповой портрет семьи художника. Пленерная живопись, свободная. полная своеобразного изящества, свидетельствовала о профессиональном мастерстве молодого художника, а по настроению, полному тихой радости и спокойствия, картина, вероятно, отражала душевное состояние ее автора, только недавно оказавшегося на родине после нескольких лет разлуки. Осенью того же года Репин отправился в Чугуев. В сущности здесь, в Чугуеве, окончательно сложилось то направление в его искусстве, которое было намечено еще в «Бурлаках» и дало основание считать Репина художником истинно национальным и глубоко народным. С конца 70-х годов начинается расцвет творчества Репина. В 1877г. он написал два превосходных портрета своих земляков-крестьян («Мужик с дурным глазом» и «Мужичок из робких»). На обоих изображены вполне конкретные люди, но вместе с тем имеющие значение собирательных типических образов. Тогда же Репин создал блестящую по живописи работу «Протодьякон», портрет дьякона Ивана Уланова, могучего человека, чревоугодника и сластолюбца. «А тип преинтересный!—сообщал Репин Крамскому.— Этот экстракт наших дьяконов, этих львов духовенства, у которых ни на одну йоту не полагается ничего духовного,— весь он плоть и кровь. В Чугуеве Репин сделал несколько эскизов будущих картин, среди них «Крестный ход в Курской губернии». Картина была окончена в 1883 г. и показана на XI передвижной выставке. Успех ее был исключительным, разумеется, среди демократически настроенных зрителей. С появлением этой картины стало очевидно, что Репин достиг невиданной прежде у него, да и во всем русском искусстве, высоты. В картине толпа движется из глубины на первый план, но в этом едином потоке различимы три параллельных течения. Они не смешиваются друг с другом. Об этом заботятся и жандармы, и урядники, и старосты, которые, подобно пограничным вехам, отделяют центральную часть процессии, где идет «чистая» публика, от двух потоков справа и слева по краям дороги. Здесь идут нищие, странники, богомольцы и прочий бедный люд. Так в единой процессии очень четко обозначено социальное неравенство людей. С конца 70-х годов Репин работал и над картинами, посвященными революционному движению («Под конвоем», «Не ждали», «Арест пропагандиста», «Отказ от исповеди» и др.) Примерно в эти же годы в мастерской Репина находилась еще одна картина, также посвященная революционерам - народникам,— «Не ждали». Сюжетно она менее трагична, действие происходит не в тюрьме. Изображено радостное событие—возвращение ссыльного в свою семью. Вместе с тем Репин раскрыл в этой радости так много душевного страдания, предшествовавшего ей, что картина стала глубоко драматической. Репин показал тот момент, который длится секунды: первую минуту встречи, когда человек, которого не ждали и на встречу с которым почти не надеялись, вдруг неожиданно входит в комнату... Удивление. Первые проблески еще недоверчивой радости. Но уже в следующее мгновение—объятия, поцелуи, слезы, расспросы... Именно эти краткие секунды, предшествующие общей радости, показал Репин. Нужно было быть блестящим психологом, чтобы суметь выразить такое сложное переходное душевное состояние людей: неуверенные, робкие шаги вернувшегося (он еще не знает, как его примут, простят ли ему причиненные им страдания), медленное движение матери, привставшей навстречу сыну (она всегда боялась, что не доживет до этой минуты, и теперь словно бы боится поверить счастью). Резко повернулась к ссыльному жена (страдания и радость отразились на ее лице); с ликующими глазами потянулся к отцу гимназист; девочка, не узнавшая вошедшего, испуганно сжалась. И только горничная, чужой человек, равнодушно смотрит на пришельца.

В картине «Не ждали» жизнь революционера показана как семейно-бытовая драма, как трагедия многих сотен интеллигентных семей, связанных с освободительным движением. Картина эта, без сомнения, принадлежит к числу лучших произведений жанровой живописи 80-х годов. «Не ждали» — шедевр пленерной живописи. Картина буквально пронизана светом и воздухом, прохладой дождливого летнего дня. Важное качество жанровой живописи Репина—ее своеобразный историзм. Это относится прежде всего ко всем произведениям, посвященным революционному движению, которое само по себе уже есть достояние истории. Но и другие работы Репина, например «Крестный ход в Курской губернии», приближаются к исторической картине— показывают роль и место простого народа в общественной жизни страны.Репин работал и в области собственно исторической живописи. В конце 70-х годов, вероятно по аналогии с современными событиями, его особенно привлекает трагедия сильной личности, люди упрямых характеров, неукротимой воли. Такова царевна Софья в картине «Царевна Софья Алексеевна через год после заключения ее в Новодевичьем монастыре, во время казни стрельцов и пытки всей ее прислуги в 1698 г.» . По словам Крамского, «Софья производит впечатление запертой в железную клетку тигрицы, что совершенно отвечает истории». Следующее большое историческое полотно Репин создал в середине 80-х годов, когда у него в памяти были еще свежи казни мрачного 1881 г. «Современные, только что затягивавшиеся жизненным чадом, тлели еще не остывшие кратеры... Страшно было подходить—не сдобровать... Естественно было искать выхода наболевшему трагизму в истории»,—вспоминал Репин. Так возникла мысль показать преступление, совершенное царем Иваном IV, убившим собственного сына. «Я работал завороженный. Мне минутами становилось страшно»,— говорил Репин. Картина была написана быстро. К 1885 г., к XIII передвижной выставке, картина была окончена и экспонировалась под названием «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года». Репин показал Грозного не в самый момент убийства, не в ярости дикого гнева, а в ужасе от содеянного... Чувствуя, что теряет сына, он прижимает его к себе, пытается зажать рану, спасти... Лицо Грозного в пятнах крови—страшно, в огромных глазах — безумие. Страдание, ужас Грозного-отца, теряющего самое дорогое — сына, так велики, что он, убийца и деспот, предстает перед нами почти как жертва, жертва собственного дикого произвола. В осуждении деспотизма, жестокости, бесчеловечности убийств—гуманистическая направленность картины. Еще в 1878 г., задолго до «Ивана Грозного», возник у Репина замысел картины «Запорожцы», рассказывающей о том, как весело сочиняли запорожцы дерзкое коллективное послание султану в ответ на его предложение сдаться и перейти к нему на службу. Летом 1880 г. Репин путешествовал по Украине, собрал ценнейший этюдный материал, а осенью, увлеченный «Запорожцами», писал Стасову: «До сих пор не мог ответить Вам, Владимир Васильевич, а всему виноваты «Запорожцы»... Вот недели две с половиной без отдыха живу с ними, нельзя расстаться,—веселый народ... Чертовский народ!.. Никто на всем свете не чувствовал так глубоко свободы, равенства и братства! Во всю жизнь Запорожье осталось свободно, ничему не подчинилось...». Позднее то одна, то другая работа отвлекала Репина от «Запорожцев», но он постоянно возвращался к ним, переделывал, переписывал и окончил к 1891 г. Картина искрится смехом — заразительным, разных оттенков, от легкой усмешки до громоподобного хохота. Это общее веселье великолепно передает тот независимый, свободолюбивый дух, каким славились запорожцы. В этой картине нет одного главного героя, его заменил народ. Хоровое начало художник удачно выразил в композиции, стремясь показать, что действующих лиц намного больше, чем изображено. В глубине полотна видны многочисленные палатки, дымят костры, движется множество людей. А справа и слева у краев картины Репин «срезает» часть фигур, тем самым заставляя зрителя мысленно раздвинуть ее рамки и представить себе огромную толпу казаков — тех, кто не поместился на полотне, теснится за его рамками.

«Запорожцы пишут письмо турецкому султану» — большая удача Репина, здесь отразилась его тяга к созданию эпических полотен, показывающих жизнь народных масс, нашла свое выражение вера художника в силы народа, в его вольнолюбие. «Запорожцы» — самая оптимистическая из картин Репина. Совершенно очевидно, что в основе всех тематических произведений Репина лежит его блестящий дар психолога. Естественно, что он был и выдающимся портретистом.

Вершина портретного мастерства Репина — портрет М. П. Мусоргского

(1881). Он был написан в последние дни жизни композитора. Художник правдив.

Он не скрывает ни болезненной отечности лица композитора, ни небрежной одежды больного человека. Все лучшее сосредоточено в его глазах — задумчивая печаль и скрытая мука. В них виден прежний Мусоргский, умный, чуткий, талантливый, человек ясной совести и чистой души. Портрет превосходно написан, широко и свободно, удивителен по колориту, тонко и точно разработанному, по сочетанию красок розовато-малиновых и зеленовато-серых тонов. Он весь словно наполнен воздухом — Репин использовал все свои знания пленерной живописи.Особое место среди работ Репина принадлежит портретам Л. Н. Толстого. Художник писал его на протяжении почти 20 лет, сделал множество карандашных портретов. Лучший из портретов был создан в Ясной Поляне в течение трех дней летом 1887 г. Писатель изображен спокойно сидящим, с книгой в руке. В нем столько мудрости и истинного величия, что портрет получает почти эпическую выразительность. Своеобразным итогом пути Репина-портретиста является его многофигурная групповая композиция «Торжественное заседание Государственного Совета 7 мая

1901 года» (1901—1903).Огромное полотно было создано в очень короткий срок.

Репину помогали два его ученика — Б. М. Кустодиев и И. С. Куликов. Впрочем, главное было сделано им самим: и беспощадно правдивые характеристики изображенных, и сложнейшее композиционное и колористическое построение всей картины.

«Заседание Государственного Совета» оказалось в сущности «лебединой песней» Репина. Последние годы жизни великого художника прошли вдали от родины. После революции, когда местечко Куоккала под Петроградом, где постоянно жил Репин, отошло к Финляндии, художник оказался за границей. Он был стар, болен, душевно одинок, не было сил вернуться на родину. Репин умер в 1930 г. в возрасте 86 лет. Несмотря на спад в творчестве Репина в последние годы, значение его наследия трудно переоценить. Это был истинно народный художник-гражданин, блестящий психолог, талантливый живописец-реалист.
38 Творчество В.И. Сурикова.

Демократическое направление русского изобразительного искусства Х!Х столетия выдвинуло, наряду с Репиным, еще одного гиганта национальной живописи – Василия Ивановича Сурикова (1848-1916), который воплотил в своих творениях высшие принципы передвижничества в области исторического жанра, трактуя историческую картину как народную эпопею.

Художник провел свои детские и юношеские годы в Красноярске. Сибиряк по рождению, он воспитывался в обстановке, сохранявшей во многом печать допетровской старины. В академию художеств он поступил в 1869 г., а его учителем был Чистяков. После завершения учебы в 1875 г. художник принял участие в росписях храма Христа Спасителя в «первопрестольной», мыслившегося в качестве официального памятника событиям Отечественной войны 1812г. Работа связала молодого художника с Москвой и дала на время материальную независимость. И эту возможность Суриков использовал для создания произведения, замысел которого возник у него еще до прихода в Академию и с которым он хотел вступить в родное искусство- «Утро стрелецкой казни» (1881г).

Живописец выбрал драматический момент- подавление стрелецкого бунта 1698г., но характерно, что он отказался изображать непосредственно минуты казни, как ему, например, рекомендовал Репин. Художник понял, что ужасающее зрелище мук и смертей могло свести воздействие полотна только к резкому психологическому эффекту, что в свое время может заслонить собой для зрителя все основное содержание, вложенное в картину. Основное же в ней- действие народной массы, художник стремится выразить многоликость массы, сложность, эмоции.

Из стрельцов, запечатленных в картине, лишь один выпадает из темы сопротивления. Кряжистый- косая сажень в плечах, -этот человек, уводимый к виселице, вдруг весь обмяк, ноги подкашиваются… Подобный образ свидетельствует о глубокой объективности Сурикова- живописец как бы говорит, что среди участников бунта оказались и нестойкие, но все же самодержавной власти удалось морально сломать только единицы. Художник тонко передает различные оттенки сострадания и горячего сочувствия.

Суриков вносил кардинально новые аспекты в решение проблемы народа в русской исторической живописи Х!Х века. Он выступил первым проводником идеи активного участия масс в исторических событиях, открыв тем самым новые пути для мирового изобразительного искусства. Эта идея активного участия народа в судьбах родины обнаруживает себя во всех последующих творениях живописца. Вскоре, изменение акцентов в показе страдающего народа привело художника и к поискам новой изобразительной формы. Большая восьмимесячная творческая поездка за границу (в Германию, Италию, Францию и Австрию) сказалась на повышении его живописного мастерства.

Академия художеств, присудив мастеру в 1895г. звание академика, безуспешно пытались привлечь Сурикова на свою сторону.

Победивший народ воздал почести Сурикову в числе первых деятелей национальной культуры. Его имя занесли в список лиц, которым предстояло соорудить памятники по ленинскому плану монументальной пропаганды. В Красноярске открыт мемориальный музей, сделавший одним из наиболее чтимых памятных мест советской Сибири.
40.Русское искусство конца XIX века и начала XX( архитектура, живопись)

С кризисом народнического движения, в 90-е годы, «аналитический метод реализма XIX в.», как его называют в отечественной науке, себя изживает. Многие из художников-передвижников испытывали творческий упадок, ушли в «мелкотемье» развлекательной жанровой картины. Традиции Перова сохранялись более всего в Московском училище живописи, ваяния и зодчества благодаря преподавательской деятельности таких художников, как С.В. Иванов, К.А. Коровин, В.А. Серов и др.

Сложные жизненные процессы обусловили многообразие форм художественной жизни этих лет. Все виды искусства – живопись, театр, музыка, архитектура выступили за обновление художественного языка, за высокий профессионализм.

Художники мучительно ищут гармонию и красоту в мире, который в основе своей чужд и гармонии, и красоте. Вот почему свою миссию многие видели в воспитании чувства прекрасного. Это время «канунов», ожидания перемен в общественной жизни породило множество течений, объединений, группировок, столкновение разных мировоззрений и вкусов. Но оно породило также универсализм целого поколения художников, выступивших после «классических» передвижников. Достаточно назвать только имена В.А. Серова и М.А. Врубеля.

Большую роль в популяризации отечественного искусства, особенно XVIII в., а также и западноевропейского, в привлечении к выставкам мастеров Западной Европы играли художники объединения «Мир искусства». «Мирискусники», собравшие лучшие художественные силы в Петербурге, издававшие свой журнал, самим своим существованием способствовали консолидации художественных сил и в Москве, созданию «Союза русских художников».

Изобразительное искусство начала века было не менее ярким и противоречивым. Возрождаются древние русские традиции. Заново было открыто иконописное искусство, чему немало способствовал сам Николай II, который был ценителем церковных древностей. В 1901 г. утверждается Комитет попечительства о русской иконописи. В 1913 г. в честь 300-летнего юбилея Дома Романовых в Москве была открыта выставка древних икон.

Продолжили традиции демократического искусства, обогатили их иным содержанием, новыми художественными средствами представители младшего поколения передвижников: А.Е. Архипов, С.В. Иванов, Н.А. Касаткин, С.А. Коровин.

В тоже время, художники стремились экспериментировать с целью сделать живопись более утонченной и одухотворенной. Новаторы создали свое творческое объединение «Мир искусства», начали издавать журнал с одноименным названием. Вдохновителями первой творческой организации стали А. Бенуа и С. Дягилев. К объединению примкнули такие мастера, как В.А. Серов, М.А. Врубель, М.В. Нестеров, И.И. Левитан, Н.К. Рерих.

«Мирискусники» работали в разной манере и мало походили друг на друга. И все же в их творчестве, настроениях и взглядах было много общего. Их беспокоило, что искусство все более вытеснялось из повседневной жизни и становилось достоянием небольшого круга «избранных» и «посвященных». Они были убеждены в том, что именно искусство постепенно смягчит и одухотворит людей.

Круг интересов мастеров «Мира искусства» был чрезвычайно широк. Это работа над монументальными росписями, картинами, театральными декорациями, книжными иллюстрациями, рисунками для витражей, обращение к скульптуре. Они изучали и пропагандировали лучшие достижения западноевропейского и русского искусства.

Неиссякаемым источником вдохновения «мирискуссников» стали народные традиции. М.А. Врубель пишет картины–сказки «Сирень», «Пан», «Царевна-Лебедь».

М. Врубель. «Пан». «Пан» – лесное божество, у Врубеля – очень похож на деревенского деда с крепкими, натруженными руками, морщинистым лицом и голубыми глазами. Надвигающиеся сумерки создают атмосферу таинственности и загадочности. Пан как будто слился с природой, они – единое целое, даже незабудки у ног и глаза – одного цвета. Может быть, в таком слиянии человека и природы ключ к решению общественных проблем, достижения всеобщей гармонии?

В 1903 г. возникает одно из самых крупных выставочных объединений начала века – «Союз русских художников». В него вошли на первых порах почти все видные деятели «Мира искусства» – Бенуа, Бакст, Сомов, Добужинский, Серов, участниками первых выставок были Врубель, Борисов-Мусатов.

«Союз» стал приверженцем русского искусства и даже противопоставлял себя «мирискуссникам», считая, что последние слишком поклоняются западным традициям. Не случайно, одним из основных жанров художников «Союза» стал национальный сельский пейзаж, в котором своеобразно выразил себя «русский импрессионизм».

В 1907 г. в Москве была устроена выставка под названием «Голубая роза». В ней приняли участие П. Кузнецов, М. Сарьян, Н. Сапунов, С. Судейкин, К. Петров-Водкин. «Голуборозовцы» ближе всего оказались к символизму. Им характерна де-материализация живописи, неожиданные цветовые соотношения, использование приемов древнерусской иконописи. Художники создают свой, чаще всего весьма далекий от реальности мир.

Фактически до 1917 г. просуществовало объединение «Бубновый валет», куда вошли П. Кончаловский, И. Машков, А. Лентулов, Р. Фальк, А. Куприн. В отличие от символизма «Голубой розы», «бубнововалетовцы» увлеклись материальностью, «вещностью» мира. Для них важна была форма, интенсивность цвета.

В. Лентулов. Звон. Колокольня Ивана Великого.

Их картины сродни народному лубку, народной игрушке, вывеске. При этом они стараются рассмотреть модель с разных точек зрения одновременно, отсюда – «сдвиг» форм, динамика, как в картине А.В. Лентулова «Звон. Колокольня Ивана Великого».

К 1913 г. относится возникновение русского авангарда, одним из родоначальников которого был К.С. Малевич («Черный квадрат»). Беспредметность в живописи – главное открытие Малевича. На этом же были построены эксперименты В.В. Кандинского и других художников абстракционистов.

Архитектура. Как и любой период подъема, конец ХIХ – начало ХХ в. в России отмечен грандиозными масштабами строительства. Широко применялись новейшие материалы. Фантазия архитекторов не знала границ. Неоклассицизм, неорусский стили строились на уже хорошо известных архитектурных принципах прошлых лет.

В отличие от них, в модерне была сделана попытка перевернуть все устоявшиеся правила и представления. Ему свойственна асимметричность постройки, органическое наращивание объемов, разный характер фасадов, использование балконов, крылец, сандриков[3] над окнами, введение в архитектурный декор стилизованного изображения лилий или ирисов, применение в окнах витражей, господство криволинейных очертаний.

Ф. Шехтель. Особняк Рябушинского. Ярким примером модерна в России было творчество Ф.О. Шехтеля. Он строил доходные дома, здания торговых фирм, вокзалы, особняки (особняк Рябушинского у Никитских ворот в Москве).
1   2   3   4   5


ВОПРОС №29Постимпрессионизм во Франции 2 половины 19 века
Учебный материал
© nashaucheba.ru
При копировании укажите ссылку.
обратиться к администрации