Реферат - Искусство XX века - файл n1.doc

Реферат - Искусство XX века
скачать (4803.5 kb.)
Доступные файлы (1):
n1.doc4804kb.08.07.2012 17:26скачать
Победи орков

Доступно в Google Play

n1.doc




Реферат


Дисциплина: История искусств


Тема: «Искусство XX века»
Исполнитель:

студент гр. ИУТ-16


Преподаватель:


2011 г.

Содержание

Введение.

3 стр.

Мир искусств.

5 стр.

Постимпрессионисты.

7 стр.

Мозаика стилей XX века.

9 стр.

Традиции и новаторство.

12 стр.

Кубизм и футуизм.

14 стр.

Авангардные течения в русской живописи.

16 стр.

Беспредметное «сверх реальное».

18 стр.

Советское исскуство.

20 стр.

Театр.

23 стр.

Кинематограф.

24 стр.

Музыка.

24 стр.

Заключение

26 стр.

Приложение

27 стр.

Список литературы

27 стр.

Введение

Оценка процессов, происходивших в XX веке в области пластических искусств на обширной территории страны, которая занимала одну шестую часть суши нашей планеты, задача не из простых. Она усложняется тем, что страна на протяжении последнего столетия дважды меняла свое имя, а за сменой имени стояли резкие изменения исторического пути. Российская империя, СССР, Российская Федерация – посвященный изобразительному искусству текст разворачивается на этом фоне. Центральное место в нем по продолжительности и новизне проблематике занимает СССР, его история охватывает 70 лет ушедшего в прошлое столетие.

Каждое из прошедших десятилетий выдвинуло мастеров, чье творчество отразило основные интересы времени. Конечно, когда речь идет о больших дарованиях, трудно сказать, какие черты художник воспринял извне, а какие придал эпохе сам. Эпоха выдвигает талант, дает ему инициативу, но художник в свою очередь придает ей черты своей индивидуальности, метит навсегда своими произведениями, оставляя будущему некий образ уходящего времени.

1 января 1901 года – начало XX века, от которого отсчитывает свою историю и мировое искусство XX века. Из этого, однако, не следует, что в один момент в искусстве произошел всеобщий переворот, учредивший некий новый стиль XX века. Часть процессов, существенно важных для истории искусства нашего столетия, берет свое начало еще в прошлом веке. Часть - возникает позже, в ходе развития искусства современной эпохи. Главное же заключается в том, что эта эпоха вообще не знает общеобязательного, стиля искусства XX века, и попытки сразу сформулировать тотальные свойства такого стиля были бы крайне неосмотрительны. Тем более ненадежны представления о том, что XX век коренным образом изменил всю природу искусства, положив непроходимую границу между старым и новым искусством, которое отныне и навечно стало развиваться по невиданным ранее законам. Обычно такие суждения выводятся из наблюдений над каким-либо одним движением искусства XX века, которому легкомысленно придается абсолютное значение. Здесь сказываются и своего рода оптические ошибки, которые свойственны наблюдателю, погруженному в течение современных ему процессов и обозревающему их, так сказать, изнутри. Разумеется, никто не гарантирован от подобных аберраций, а сами они образуют неотъемлемую часть самосознания современной художественной культуры. Опытом такого самосознания служат и „Истории искусства XX века", кем бы они ни были написаны. XX век еще не закончился, и истории его искусства категорически противопоказаны попытки дать окончательные суждения о процессах, которые не завершились еще пока в самой жизни искусства, а подчас не проявили еще с достаточной ясностью смысл своего движения.

За исходную предпосылку в этом случае справедливее всего было принять следующий тезис: искусство 20 века - искусство переломное, а не просто старый или просто новый период его истории. Это искусство кризисное в изначальном, словарном смысле слова, выражающем наивысшую напряженность перелома. Наивным было бы видеть в нем либо только линейное восходящее движение, все стилеобразующие начала которого уже сложились во всей несомненности и остается лишь ждать созревания плодов, или же, в наиболее сложных случаях, - превращение гадкого утенка в прекрасного лебедя. Старое и новое не располагаются в истории искусства 20 века в элементарной последовательности, а действуют во взаимном пересечении, охватывающем глобальное пространство и обширное историческое время.


Мир искусства

Художественная жизнь начала XX в. Являет сложную и пеструю картину. Словно в калейдоскопе, сменяются стили и направления, рождаются все новые группировки, каждая из которых утверждает свое искусство в яростной борьбе с другими. В своих произведениях художники стремятся отразить не реальную среду в ее узнаваемых («жизнеподобных») формах, а создать свой собственный, неповторимый мир.

Безусловно, XX столетие одержимо идеей новизны. Творчество художника отныне сродни изобретательству, мастера свободно экспериментируют с различными материалами.

Теперь «холстом» для живописца могут стать тело человека и экран компьютера, а скульптор может создать произведение из выброшенных на свалку предметов, которым он дает новую жизнь.

Передвижники стремились изображать современную им действительность реалистическими средствами. Новое поколение художников старалось передать современность не прямо, а косвенно. Художественный язык искусства все более усложняется.

Новые объединения. На протяжении многих веков художники объединялись в гильдии, союзы, общества, чтобы помогать друг другу. В России с середины XVIII в. До 180-х гг. лишь Академия художеств защищала интересы своих выпускников. Она была и учебным заведением для художников, и организатором выставок; решала вопросы о представлении служебных квартир, назначении пособий, зарубежных поездках. Художники, оказавшиеся вне круга академических мастеров, влачили жалкое существование. Перед объединением художников в России стало Товарищество передвижных художественных выставок, организованное в 1870 г. Долгие годы передвижники были единственной альтернативой Академии. На рубеже XIX-XX столетий картина стремительно меняется. Возникает множество художественных объединений, течений, группировок. Спектр направлений самый пестрый – от классики до авангарда. Стремление художников отражали названия новых объединений: «Мир искусства» (тяготение к синтезу различных искусств); «Голубая роза» (тоска о несбыточных мечтах) и даже «Бубновый валет» и «Ослиный хвост», уже своим именованием шокировавшие публику. Объединение «Мир искусства» образовалось в 1898 – 1899 гг. в Петербурге. Его основателями были С.П.Дягилев, театральный деятель и художник, и А.Н. Бенуа, художник и крик. Участники «Мира искусства» заявили, что художник должен быть свободен от злобы дня. Они упрекали передвижников в чрезмерном пристрастии к политическим темам. По их мнению, художник поклоняется не идее, а только красоте, которую современный мир давно утерял. Объединение выпускало богато иллюстрированный журнал «Мир искусства». Вокруг него объединились лучшие мастера книжной иллюстрации, графики, создавшие классические образцы книжного оформления, например, иллюстрации А.Бенуа к «Медному всаднику» А.С.Пушкина, М.Добужинского к «Белым ночам» Ф.Достоевского, Е.Лансере к «Хаджи-Мурату» Л.Толстого. Значительной заслугой объединения стало открытие заново старого русского искусства, новая оценка творческого наследия Д.Левицкого, Ф.Рокотова, А.Венецианова и его учеников, которое было к тому времени основательно забыто. В 1905 г. С.Дягилев осуществляет грандиозный проект – открывает в Таврическом дворце выставку, на которую были собраны портреты всей России, из музеев, императорских дворцов, помещичьих усадеб, купеческих особняков. Таким образом, на этой выставке перед зрителями предстала в лицах русская история со времен Петра I и до начала XX в. Выставка стала настоящим откровением и имела оглушительный успех.

Русские сезоны. Окрыленные этим успехом «мирискусники» решили познакомить с русской культурой западную публику. Первым шагом стало открытие в Париже выставки «Два века русской живописи и скульптуры», которая поразила французов собранием икон новгородской, московской и строгановской школ, великолепным мастерством русских портретистов XVIII – XIX вв. Затем С.Дягилев расширяет рамки и знакомит зарубежную публику с русской музыкальной культурой. Концерты Ф.Шаляпина, оперы и билеты, показанные в 1909 – 1914 гг. и получившие название «Русских сезонов», стали событием в мировой культурной жизни. Секрет успеха состоял в творческом объединении усилий художников, музыкантов, декораторов, хореографов. Театральные декорации и костюмы А.Бенуа, Н.Рериха, А.Головина, Л.Бакста поражали буйством фантазии, точностью художественного стиля. Впечатления от гастролей были так сильны, что отозвались в изобретательном искусстве и моде того времени. Так, после премьеры оперы «Шехерезада» весь Париж оделся по – восточному. Выставочная деятельность «Мира искусства» продлилась с некоторыми перерывами до 1924 г. В то время в русской культуре набрали силу авангардные течения, и «Мир искусства» уже не мог занять ведущего положения. Но он дал толчок многим направлениям русского искусства – живописи , графике, книжной иллюстрации.



Константин Андреевич Сомолов.

Портрет А.А.Блока.1907 г.

Постимпрессионисты

Когда о чем-либо говорят с латинской приставкой «пост», то имеют в виду, что явление возникло позже или всегда за другим явлением. Но художники, которых в истории искусств лишь условно именуют постимпрессионистами: Сезанн, Ван Гог и Гоген – начали писать одновременно с импрессионистами и испытали влияние их чарующих красок.

Ученик учителя. Поль Сезанн(1839 – 1906) начал творческий путь вместе с импрессионистами и даже учувствовал в их первой выставке 1874 г., а затем уехал в родной Прованс, где жил очень замкнуто. Его жизнь обрела черты легенды, чему способствовали рассказы единственного покупателя его картин Ива Танги. В 1894 г. коллекционер умер, и картины Сезанна были проданы с молотка. В 1895 г. уже торговец картинами Воллар предложил Сезанну прислать свои произведения на выставку, и художник, не выставлявшийся до этого 20 лет, отправил в Париж 150 картин.

Подписывая свои произведения, Сезанн добавлял к своему имени «ученик Писсарро», отдавая этим дань уважения знаменитому импрессионисту (о чем сам Писсарро не знал). Но Сезанн-то не был импрессионистом! Мир, природа, человек выглядели у него цельными. У Сезанна нет сложных сюжетов. Он писал автопортреты, портреты близких людей, пейзажи, натюрморты – мир, полный созерцательности и покоя. Это не импрессионистические этюды, а законченные полотна.

Великий голландец. Творчество другого постимпрессиониста – Винсента Ван Гога (1853 – 1890) длилось около десятилетия. Жизнь, полная несправедливости, вызывала у Ван Гога обостренное чувство; она почти физически ранила его. Это наложило на его творчество отпечаток тревоги, болезненной нервозности. В его полотнах заложены и восторг перед миром, и пронзительное чувство одиночества. Он очеловечил даже вещи, наделяя их собственной горькой безнадежностью. Ван Гог достиг особой выразительности при помощи необычных приемов наложения краски. Резкими, порой зигзагообразными или параллельным мазками усиливалось общее впечатление напряженности. При жизни Ван Гог не пользовался известностью. Его огромное влияние на искусство сказалось много позднее. Экспрессионисты называли его своим предтечей.

Последние грезы. Не менее своеобразным путем шел Поль Гоген (1848 – 1903). Как и Ван Гог, он стал заниматься живописью уже после 30 лет (оставив службу в банке). Он считал, что писать следует не сам предмет ( в оптическом правдоподобии своей формы и цвета), а его сущность, идею. Последние годы жизни Гоген провел на островах Полинезии. С впечатлениями той поры и связаны самые замечательные его картины. Стремясь приблизиться к традициям искусства аборигенов. Гоген предельно упрощал рисунок: формы предметов нарочито плоскостные, краски чистые и яркие, а композиции напоминают орнамент. Природа преображена в красочный узор. Он усилил насыщенность тонов: так, его интересовали не цвета травы при определенном освещении (как Клода Моне), а цвет травы вообще. Он не пользовался светотенью, а накладывал цвет ровными плоскостями, в контрастном сопоставлении. Идея, рожденная умом, преодолевала форму – оболочку предметов. Чувства (зрения, обоняния, осязания) уступали место напряженной работе разума. Так рождалась живопись нового XX столетия.



Поль Сезанн. Натюрморт с драпировкой.

1894 – 1895 гг.
Мозаика стилей XX века

В начале XX в. Проявилось множество направлений живописи, которые существовали почти одновременно. Удивительная пестрота художественных стилей свидетельствовала о напряжении духовной жизни людей, об их стремлении выразить свое ощущение быстро меняющего мира.

Узоры модерна. На рубеже XIX –XX вв. европейское искусство породило художественное направление и стиль, который в Англии и России называли модерном (от франц. moderne – «современный»), во Франции и Бельгии – ар нуво (франц. art nouveau – «новое искусство»), а в Германии - югендштиль (нем. Jugendstil – «молодой стиль»).Художники модерна писали то, чего нет в окружающем мире. Одним из важных выразительных средств модерна стал орнамент. В его основе – вьющиеся очертания цветов и растений, поток воды или спадающие поразительно длинные волосы. Проработанная деталь сочеталась с условным фоном, как на восточных коврах. Так, в работах Густава Климта (1862 – 1919) цветовые пятна создают ощущение ковровой плоскости, на которой выступают застывшие в прихотливых разворотах фигуры. Ритм их движения напоминает раскачивающиеся на ветру травы. А в полотнах русского художника Михаила Александровича Врубеля (1856 – 1910) фигуры словно превращаются в волшебные кристаллы, как в картине «Шестикрылый серафим» (1904). Художники модерна любили работать в таких жанрах, как афиша и вывеска, где блестяще проявились декоративные возможности стиля. Театральные афиши Альфонса Марии Мухи (1860 - 1939) до сих пор пленяют своей утонченной красотой.

Искусство «диких». В 1905 г. на выставке в Париже художники Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинк, Альбер Марке, Жорж Руо, Кес Ван Донген показали картины, которые за резкое противопоставление цветов и упрощенность форм критика назвала произведениями «диких», а все направление получило название «фовизм». Самым самобытным художником среди них был Анри Матисс (1869 – 1954). В юности он увлекался живописью импрессионистов, но, стремясь усилить выразительность цвета, пришел к упрощению форм. Матисса интересовали только живописные задачи – он отказался от сюжеа. Предметами его изображения стали пестрые ткани и кресла, цветы, рыбки в аквариуме, человеческое тело. Его не интересовало освещение, а композиция строилась на контрасте цветов. Все это ярко проявлялось в его панно «Танец» и «Музыка», написанных в 1909 г. для московского ценителя живописи С.И.Щукина. На сине-зеленом фоне изображены красные фигуры: стремительные в «Танце», спокойные в «Музыке».



Густав Климт. Дева. Фрагмент 1913 г.
Примитивизм. Главой примитивизма (от лат.primitiv – «простой») назвали в начале XX в. Художника-самоучку, музыканта и композитора Анри Руссо (1844 – 1910). Руссо-Таможенник (прозванный за службу на таможне) начал писать поздно, а признание получил незадолго до смерти. Примитивистом его назвали за манеру письма и изысканность цветов, присущих технике итальянских «примитивов» - произведений XV в. Кроме того, его полотна кажутся наивными – подобно тем, которые пишут народные художники: незнакомые со строгими правилами письма или сознательно избегающие их. Анри Руссо изображал необычный, фантастический мир. Среди тропической растительности у него бродили хищные звери («Спящая цыганка», 1897; «Тигр атакующий разведчиков», 1904; «Голодный лев», 1905 и др.). Виды словно оцепеневшей природы чередовались с видами парижских улочек, по которым спешат кудато нелепые, смешные фигурки людей.

Неприсоединившийся. Так и не примкнул ни к какому направлению итальянец Амадео Модильяни (1884 – 1920). В его живописи много общего с живописью Матисса: четкие силуэты, обобщенные формы, резкие линии. Но у Модильяни нет монументальности, присущей работам Матисса. Модильяни писал в основном женские портреты, обнаженное тело, придавая моделям хрупкость и изящество. Его полотна узнают по типу лиц: удлиненный овал, словно незрячие глаза, строгая линия маленького рта.
Традиции и новаторство

Грозовые предчувствия грядущих перемен, обостренное переживание всех противоречий жизни, мечты о красоте отразились в сложном и противоречивом искусстве начала XX в. Многие достижения живописи предшественников критиковались, молодые художники искали новые пути в искусстве. Но при этом они вновь открыли для себя произведение античности или русского Средневековья.

Экспрессионизм. Одним из самых ярких и сложных направлений в живописи начала XX в. Стал экспрессионизмом (от лат. expression – «выражение»). Это движение сложилось в Германии, а затем было подхвачено художниками разных стран. Главным для художников-экспрессионистов был протест против страшной действительности, угнетение людей и несправедливости. Художники писали яркими – кричащими – красками почти уродливые, но очень выразительные формы. В 1905 г. в Дрездене художники Эрнст Людвиг Кирхнер (1880 – 1938), Эрих Хеккель (1883 – 1970) и Карл Шмидт-Ротлуф (1884 – 1976) создал группу «Мост». Их творчество, выражающее отвращение к окружающему миру, ощущение безнадежности и беззащитности человека, было построено на искажении узнаваемых форм и очертаний. Их ломкий, нервный рисунок заполнялся дисгармоничными тонами. В другой группе экспрессионистов – «Синий всадник» (создана в 1911 г. Василием Васильевичем Кандинским), в которую входили художники Пауль Клее (1879 – 1940), Огюст Маке (1887 – 1914), а также Франц Марк (1880 – 1916), бунтарство не столь очевидно. В их полотнах основное внимание уделено декоративным проблемам. Именно художниками «Синего всадника» были созданы одни из самых ранних образцов абстрактного искусства. Экспрессионизм показал, что резкие, дисгармоничные цвета обладают какой-то особой выразительностью. Предметом искусства может быть не только красота, но и уродство. А искажения и резкие линии столь же впечатляющи, как и привычные гармоничные пропорции, цвета и прямая перспектива.


Эрнст Кирхнер. Лежащая синяя обнаженная

в соломенной шляпке. Около 1908 г.
Традиции и современность. Однако в то же время художники во многих странах Европы стремились найти гармонию в древних традициях, в дальних неведомых землях. Русский художник П.В.Кузнецов(1878 – 1968) обретает свою мечту о счастливой земле в степях Средней Азии, где древни истоки жизни остались незамутненными в своей вечной мудрости. Кузнецов создал эпические живописные поэмы о труде как основе жизни. Время в его картинах словно остановилось, а действие происходит в сказочном «некотором царстве». Жесты людей неспешны и значительны, над ними – бездонное небо, вокруг – бескрайние степи, линии плавны и музыкальны, неяркие краски тихо сияют. Интерес к античности, традициями мирового искусства проявился в творчестве многих мастеров, например в работах французского художника Мориса Дени (1870 – 1943). Признание художественного обаяния исторических стилей как источника вдохновения особенно проявилось в творчестве русских художников «Мир искусства» - Александра Николаевича Бенуа (1870 – 1960) и других. Изображения Версаля, где прогуливается король Людовик XIV, или Санкт – Петербурга времен Елизаветы и Екатерины II вызывают гордость за великое прошлое и одновременно грусть от несовершенства действительности.
Кубизм и футуризм

Художественные поиски в области формы, пространства, цвета привели живописцев к идеи полного отказа от создания на холсте иллюзии реального мира. Развитие естественных наук дало толчок творческой фантазии художников. Они пытались представить мир не таким, как видит его человеческий глаз, а таким, как описывает его наука с помощью абстрактных формул.

Куб, конус, цилиндр. Одно из интереснейших направлений искусства начала XX в. – кубизм связано с творчеством французов Пабло Пикассо (1881 – 1973) и Жоржа Брака (1882 – 1963), испанца Хуана Гриса (1887 – 1927). В предметах окружающего мира кубисты видели вариации простых геометрических фигур: куба, конуса, цилиндра. Им хотелось писать предметы с нескольких сторон. В след за экспрессионистами они отказались от передачи иллюзий пространства, а главным средством выразительности стала плоскость. Кубисты подчеркивали, что пишут вещи не так, как видят, а как знают. Они дружили с известными математиками своего времени и сами занимались математикой и геометрическими построениями.

«Треснувшие зеркала кубизма». Началом кубизма можно считать появление картины Пикассо «Авиньонские девицы» (1907). В ней есть еще некоторая сюжетность, но нет прямой перспективы, а фигуры утратили привычную форму. Объемы в правой части картины передаются не светотенью, а штрихами. Штриховка контрастирует с большими пятнами ярких цветов в остальных частях полотна. Лица напоминают африканские маски. Друзья – художники и поэты – были покорены сочетанием в произведении новизны и традиции. В мастерскую имевшего успех Пикассо пришли Жорж Брак, Андре Дерен, молодые художники Фернан Леже, Франсуа Мари-Мартинес Пикабиля и др.Возникло новое направление живописи. В мире, увиденном в «треснувших зеркалах кубизма» (выражение Пикассо), была важна композиция: крупные предметы помещались в центр, а к ним « подтягивалось» все остальное. Предметный мир превратился в комбинации геометрически правильных фигур, а человеческие тела – в сочетание вогнутых и выгнутых плоскостей (картина Пикассо «Королева Изабо», 1909). Приемы кубизма можно заметить и в написанной много позже его знаменитой картине «Герника» (1937), посвященной жертвам фашистской бомбардировки испанского городка Герники. Словно в отсветах пламени все формы распадаются на светлые и темные. Наиболее последовательно кубизм проявился в творчестве Брака. В свои композиции он вводил аппликации: куски газет или этикетки. Это был первый кубистический коллаж «от франц. colle – «вклеивать»). В других работах, например в «Арии Баха» (1914), плоскостные формы, лишь отдаленно напоминающие скрипку, ноты, клавиши рояля, должны передавать ощущение музыки. Это был еще один шаг к полной абстракции.



Хауан Грис. Натюрморт с бутылкой бордо. 1910 г.

«Глашатаи будущего» Еще одним направлением в живописи авангарда стал футуризм (от лат. future – «будущее»). Его представители заявили о себе в манифестах, где провозглашали не только отказ от искусства прошлого, но и призывали к разрушению музеев, библиотек, всего классического наследия прошлого человечества: «Долой археологов, академии, критиков, профессоров!» Родиной футуризма стала Италия, поэтому среди его последователе больше всего итальянских художников, таких известных мастеров, как Филиппо Томазо Маринетти, Джино Северини, Умберто Боччони и другие. Они стремились к созданию искусства, которое прославляло бы большие города, машины и механизмы. В их картинах отсутствует логика композиции, натуралистические детали совмещаются с отвлеченными линиями и плоскостями, движение разложено на отдельные элементы.
Авангардные течения в русской живописи

Авангард (от французского – «передовой отряд») в живописи – это круг художников-экспериментаторов начала XX в. Авангардисты стремились не передавать узнаваемые формы окружающего мира (дома, деревья, черты лица), а создать совершенно новую, сказочную реальность, выраженную столь же новым живописным языком. Они ощущали себя пророками искусства будущего. Отрицая наследие прошлого, и прежде всего передвижников с их «литературностью» и «обличительством», авангардисты обращаются к забытым традициям – к первобытному искусству, к иконе, к народному лубку и вывеске, возвращая живописи яркость чистого цвета и выразительность форм.



Казимир Северинович Малевич.

Автопортрет. Около 1910 г.
Каземир Северинович Малевич. К.С.Малевич (1878 – 1935) – создатель геометрической абстракции (живописи, построенной на сочетаниях простейших геометрических фигур). Его открытия положили начало новому направлению в искусстве. В поисках своего стиля Малевич прошел через импрессионизм, кубизм (разложение предметов на геометрические плоскости и объемы) и другие направления. В кубистической манере написаны его крестьянские жанры. В «уборке ржи» фигуры крестьянок напоминают раскрашенные металлические конструкции, снопы в их руках и колосья в поле похожи на куски труб.

Владимир Евграфович Татлин. В.Е.Татлин (1885 – 1953) в молодые годы плавал юнгой на кораблях. Этот опыт нашел отражение в его творчестве. Многие его жанровые работы изображают моряков. В картине 1911 г. Татлин наделил матроса автопортретными чертами он создает сказочный образ морского волка из команды придуманного корабля «Стерегущий». Лицо моряка озарено золотым светом жарких стран, поле холста тесно наполнено (фигурами двух матросов и силуэтом корабельной пушки), как в вазописи или фресках древних цивилизаций.

Павел Николаевич Филонов. П.Н.Филонов (1883 – 1941) считал необходимым применение в искусстве аналитического метода. Он разлагает мир на составные части и собирает из них новое целое. Для него важна была «сделанность» картины – тщательная проработка каждой детали.

Михаил Федорович Ларионов. М.Ф.Ларионов (1881 – 1964) возглавил направление примитивизма. Художник черпал образы в народном искусстве. Героями своих произведений мастер избрал простых людей: провинциальных франтов, парикмахеров, солдат. Его картина «Отдыхающий солдат» – это вызывающая пародия на «Спящих Венер». Подобно безымянным авторам лубочных картинок, Ларионов не разделяет сюжеты на «высокие» и «низкие», а героев на прекрасных и безобразных. Мастер пишет их одновременно с любовью и иронией. Фигура бравого солдата с перекрученными ногами и лихо упертыми в бока руками напоминает вьющиеся растение.
Беспредметное и «сверхреальное»

Наступление «конца» живописи предсказали еще в XX в.: после появления работ импрессионистов. Но вскоре и их признали классиками. Им на смену пришли новые возмутители спокойствия, а конца живописи все не предвиделось. И все же нашлись художники, которые очень близко подошли к пределам искусства.

Гармония прямоугольника. Художники-абстракционисты (от лат. abstraction – «отвлечение») отвергли любую изобретательность в искусстве. Их живопись часто называют беспредметной. Своим предтечей они считали кубизм, который ввел отвлеченные геометрические формы. В Голландии в системе геометрической абстракции работал Питер Конрнелис Мондриан (1872 – 1944). Под влиянием кубизма он довел его принципы до простого черчения на плоскости.



Казимир Северинович Малевич.

Черный квадрат. 1913 г.
Черный квадрат. Основоположником геометрической абстракции стал Казимир Северинович Малевич (1878 – 1935). В 1913г. он представил публике квартану «Черный квадрат» - это логическое завершение поисков в области абстрактной живописи. Не случайно сам художник через несколько лет вновь вернулся к живописи в реалистических традициях.

Музыка живописи. «Предметность вредна моим картинам», – говорил основоположник абстрактного экспрессионизма. Василий Васильевич Кандинский (1866 – 1944). Он отказался передавать в картинах формы видимого мира – ему хотелось изображать сущность вещей и явлений. Его интересовал вопрос сближения цвета и музыки. Цвет Кандинский наделял символическим смыслом: черный означал смерть, белый – рождение, красный – мужество. Это древняя традиция, но мастер авангарда понял ее по – своему. Его абстрактные картины – красочные полотна, в которых пятна цвета перетекают одно в другое, то ярко вспыхивая, то затухая. Художник обращается, минуя сюжет, напрямую к чувствам зрителя.

Лучистое искусство. Особым вниманием в абстрактной живописи стал лучизм. Его возглавляли русские художники Михаил Федорович Ларионов (1881 – 1964) и Наталья Сергеевна Гончарова (1881 – 1962). Задача художника – изображение «лучей» - красочных линий, которые пересекаются в определенных точках пространства, образуя различные формы.



Франц Марк. Содержащиеся формы. 1914 г.

Абстракционисты представили такой взгляд на вещи, который представляет отказ от всего того, что в них определяет предметность: форма, плотность масштаб (соответственно с другими предметами). Сюрреалисты считали, что разум бессилен постичь истину. Образы их картин напоминают сновидения, где реальность и фантазия перемешены.
Великие выдумщики. В 1924 г. в живописи появилось еще одно крупное явление, получившее название «сюрреализм» (от франц. surrealite – «сверхреальное»). Сюрреалисты считали, что главное в творчестве – интуиция. Основным правилом сюрреалистов «соединение несоединимого». Самым ярким и талантливым представителем сюрреализма стал испанский художник Сальвадор Дали (1904 – 1989). В своих картинах Дали вводил простые, будничные предметы в абсолютно нереальный и неподходящий к случаю пейзаж, искажал знакомое до чудовищного образа. Он мог представить статую Венеры Милосской в виде шкафа с ящиками. Части тело человека или животного – руки, голова – могли существовать отдельно. Во время Второй мировой войны Дали и другие художники-сюрреалисты переехали в США, где после войны их ждал успех.
Советское искусство

XX век в русском искусстве – эпоха смелых экспериментов и возвращения к древним традициям, сложного и пестрого смешения стилей. После революции 1917 г. художники стремятся найти новые формы искусства, созвучные эпохе.

Искусство 1920-х гг. Творческие поиски продолжаются в 1920-е гг. Создаются новые объединения художников. Александр Александрович Дейнека вносит в живопись элементы языка новых видов искусства: кино, фотографии, плаката. В своих полотнах, посвященных возведению нового мира (строительству фабрик и заводов), он «монтирует» на плоскости подчеркнуто объемные, взятые крупным планом фигуры и ажурное кружево конструкций. Сильная, мускулистая работница катит прямо на зрителя тяжелую вагонетку, другая – юная девушка – радостной улыбкой озаряет трудовые будни. Художник словно выхватил маленький фрагмент из панорамы огромной строки, в которую превратилась вся Советская страна. Картины Дейнеки создают образ героической эпохи, проникнутой радостью созидательного труда и мечтой о светлом будущем, которое как тогда казалось всему народу, вот-вот наступит. Александр Николаевич Волков, работавший в Узбекистане, стремился соединить традиции Азии и Европы, язык авангарда и яркую красочность узбекских ковров. В картине «Гранатовая чайхана» он создает сказочно прекрасный образ Востока. Пространство дробится, играя гранями драгоценных кристаллов. Плоды лежат на столе и виды орнамента украшают чайник. Поверхность холста сверкает и переливается, подобно самоцвету.

1930 – 1950-е гг. В 1932 г. все художественные объединения были запрещены. Был создан единый Союз художников, а стилем эпохи провозгласили «социалистический реализм». Социалистический реализм продолжал традиции реализма передвижников, но критика теперь не допускалась: художники должны были воплощать светлую мечту о будущем. Мастера, продолжавши отстаивать свободу творчества, не могли выставлять свои картины. Некоторые живописцы в этой тягостной атмосфере все же находили возможность сохранить теплоту и человечность образов. Ф.П.Решетников пишет занимательные сценки из семейного быта. Огромной популярностью пользовалась его картина «Опять двойка». …Мальчишка, придя из школы, виновато отводит взгляд. Собака радостно бросается к хозяину, не понимая, что в семейной атмосфере назревает гроза. Сестра-отличница с укором смотрит на него. Мать устало уронила на колени натруженные руки: «Опять двойка!».



Кузмин Сергеевич Петров-Водкин. Тревога. 1934 г.

Суровый стиль. После XX съезда коммунистической партии, разоблачившего культ личности Сталина, художественная жизнь вновь оживилась. Молодые советские художники (В.Е.Попков, Н.И.Андронов, П.Ф.Никонов и др.), в противовес парадным и фальшивым произведениям соцреализма, пишут скупыми красками строгие полотна о суровых трудовых буднях. Их картины похожи на монументальные фрески. Новое направление получило название «суровый стиль».

На пороге нового тысячелетья. На рубеже нового тысячелетия перед художниками вновь оказались открытыми все пути, все традиции, и часто остро современные художественные образы возникают в диалоги эпох, стилей, мастеров. В картинах Татьяны Назаренко в тесный круг друзей художницы входят, как равноправные участники, образы, сошедшие со старинных портретов. Современный человек не мыслит себя без обращения к живой русской культуры.


Кузьма Сергеевич Петров-Водкин.

Портрет А.А.Ахматовой 1922 г.

Театр

В общественной жизни накануне революции чрезвычайно возросла роль театра. Открытие в 1898 г. Художественного театра в Москве стало событием большого культурного значения. У истоков нового театра стояли К. С. Станиславский и В. И. Немирович-Данченко. В своей речи, обращенной к труппе при открытии, Станиславский особенно подчеркивал необходимость демократизации театра, сближения его с жизнью. "Мы стремимся, — говорил он, — создать первый разумный, нравственный, общедоступный театр". 14 октября 1898 г. на сцене театра "Эрмитаж" состоялось первое представление пьесы А. К. Толстого "Царь Федор Иоаннович". Подлинное рождение Художественного театра состоялось в декабре 1898 г. при осуществлении постановки чеховской "Чайки", которая с тех пор является эмблемой театра. Современная драматургия Чехова и Горького составила основу его репертуара в первые годы существования. В 1902 г. на средства крупнейшего российского мецената С. Т. Морозова было выстроено известное в Москве здание Художественного театра (архитектор Ф. О. Шехтель).

Художественный театр стал одним из центров прогрессивного театрального движения, формирования новых принципов актерского искусства, режиссуры, оформления спектаклей, оказавших большое влияние на все театральное дело в России.

Смелая, революционная программа Художественного театра имела большой общественный резонанс, вызвала многочисленные выступления театроведов, по-разному оценивавших это событие культурной жизни. Театральных новаций не приняли представители символизма. В. Я. Брюсов в статье "Ненужная правда" (1902, журнал "Мир искусства") доказывал бессмысленность стремлений передать на сцене "правду жизни". Примерно в это время формируется эстетика условного театра, связанная с экспериментами В. Э. Мейерхольда в области сценического искусства. Брюсов был . выразителем этих исканий. . .
Кинематограф

В 90-е годы в России появился кинематограф, почти одновременно с изобретением его во Франции братьями Люмьер. Первые видовые и хроникальные фильмы демонстрировались вмае 1896 г. сначала в Петербурге в увеселительном саду "Аквариум", а через несколько дней — в саду "Эрмитаж" в Москве.

Первый русский кинопредприниматель А. А. Ханжонков в 1907—1908 гг. начал производство отечественных игровых фильмов, построил в Москве кинофабрику, ряд кинотеатров, в том числе "Художественный" и "Москва" (ныне —дом Ханжонкова). Среди первых игровых отечественных фильмов были "Пиковая дама", "Отец Сергий" (режиссер Я. А. Протазанов).

Музыка

Существенные изменения произошли в музыке.

Открылись консерватории в Саратове, Одессе, Киеве наряду с уже действовавшими в Москве и Петербурге. Появились формы "внешкольного образования": в 1906 г. в Москве при содействии С. И. Танеева была открыта народная консерватория.

В творчестве композиторов происходил известный пересмотр музыкальных традиций, повышался интерес к внутреннему миру человека, философско-этическим проблемам. "Знамением времени" стало усиление лирического начала в музыке. Н. А. Римский-Корсаков — в это время основной хранитель творческих принципов "Могучей кучки" — написал полную лиризма и драматизма оперу "Царская невеста" (1898).

Новые черты русской музыки начала XX в. нашли наибольшее выражение в творчестве С. В. Рахманинова и А. Н. Скрябина. Оба они были выпускниками Московской консерватории. Обладая ярко выраженной творческой индивидуальностью, Рахманинов вместе с тем следовал в своей музыке традициям русской музыкальной классики. Во многом он был прямым музыкальным наследником П. И. Чайковского. Идейно-художественный мир Скрябина был более сложным. Его творчество отличалось художественным новаторством и глубоким философским содержанием.

В начале XX в. центрами музыкальной жизни России были Мариинский и Большой театры. Однако основные достижения оперного искусства этого времени связаны с деятельностью Московской частной русской оперы (С. И. Мамонтова, а затем — С. И. Зимина). На сцене частной оперы Мамонтова раскрылся талант выдающегося русского певца и актера Ф. И. Шаляпина. "В русском искусстве Шаляпин — эпоха, как Пушкин", — писал Горький.
Заключение

Искусство XX века-не первая переломная, „нсклассическая" эпоха во всеобщей истории искусств. Местоположение таких переломных эпох между эпохами, когда достигает пика подъем того или иного большого стиля, а в своем коренном, основополагающем значении -художественная культура целой социально-исторической формации, глубоко закономерно. Роль и тех и других эпох самоочевидна. Они прочно связаны друг с другом в единой цепи историко-художественного процесса.

История искусства XX века показывает, как одни из художественных движений, возникнув взрывоподобным образом, быстро исчерпывают себя, как например, кубизм. Другие же - устойчиво существуют на протяжении всех восьми десятилетий XX века, лишь видоизменяясь на тех или иных этапах и в различных социальных и национальных условиях, как, например, неоклассика. В силу этих обстоятельств момент, когда возникает то или иное движение, далеко не всегда определяет его место в истории и художественных процессах 20 века. Нередко более важную роль играет длительность жизни таких движений, продолжавших свое развитие вслед появившимся позже и. казалось бы, отменявшим их, но кратковременным течениям.
Список литературы

1. Нона Степанян «Искусство России XXвека» Москва 2004 г.;

2. Г.В.Абеляшева, В.В.Аристова, Е.А.Воронина и др. «Энциклопедия искусство XX века» Москва 2005 г.;

3. А.А.Воротников, О.Д.Горшковоз, О.А.Еркина «История искусств» Минск 1999 г.;

4. В.М.Полевой «Малая история искусств»;




Сомов Константин (1869 -1939)

Дама в голубом платье. 1897 - 19000

Альтман Натан (1889 – 1970)

Портрет Анны Ахматовой. 1914


Сергей Васильевич Малютин.

Портрет писателя Д.А.Фурманова. 1922 г.


Винсет Ван Гог. Пейзаж в овраге после дождя. 1890 г.



Учебный материал
© nashaucheba.ru
При копировании укажите ссылку.
обратиться к администрации